Genero: Rock and roll
El rock and roll es un género musical de marcado ritmo, derivado de una mezcla de diversos estilos del folclore estadounidense. El término «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una radio de Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock'n'Roll Party. Este término se suele reservar para la primera época de este estilo (fundamentalmente la década de los años 50 del siglo XX), mientras que su abreviatura, rock, se suele emplear para referirse al resto de la historia de éste género musical
Precursores y orígenes
El Rock and Roll emergió como un estilo músical definido en Estados Unidos en la década de 1950, algunos elementos del rock and roll pueden ser escuchados en las grabaciones de blues tan lejanas como de los años 1920 Los inicios del rock and roll combina elementos del blues,boogie woogie, y jazz con influencias de la música folklórica Apalache, gospel, country y western especializado.
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con "Crazy Man Crazy" (1954) y su gran éxito "Rock Around The Clock" (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon.
Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll el 1954, año en el que Presley editó su primer disco.
Cada uno de sus subgéneros pueden mezclarse sutilmente entre si y pueden además recoger elementos de cada una de sus sub-ideologías,lo que hace al rock una cultura variada y rica en pensamientos y sonidos.
Este movimiento implica actitud, compromiso y radicalidad, lo que lo hace más que una simple opinión, un estilo de vida, una razón
Desarrollo y Evolución
A partir de los años 1960, el estilo ha tenido un importante desarrollo y evolución, que se expresó en una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos, a los que en términos generales se llamó «rock». Gracias a la influencia de grupos y variaciones de otros países, el Rock se convirtió en un fenómeno cultural y musical que se empezó a extender alrededor del mundo.
Algunos subgéneros musicales derivados son el hard-rock, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo, el Glam o el heavy metal, aunque entre todos ellos siguen existiendo los suficientes elementos comunes como para llamarlos rock n' roll; así Lennon definió al Glam, como "rock n'roll con pintalabios", y a los propios músicos de Hard Rock o Punk, les agrada definirse como músicos de rock n'roll, por encima de las etiquetas y fronteras estilísticas que se colocan para mayor comprensión del público.
Cronología
Algunos de los momentos de mayor importancia en la evolución del género fueron los siguientes, por orden cronológico:
# Chuck Berry y Little Richard; el rock eminentemente "negro". Años 50
# Gene Vincent, Eddie Cochran, y Roy Orbison Popularizan innumerables éxitos. Años 50
Aparición de Elvis Presley, popularización del rock a gran escala. Años 50
"El día en que murió la música". Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper fallecen en un accidente de avión. La industria inunda la escena de artistas cómodos y prefabricados. Años más tarde, Don McLean trataría este tema en su canción "American Pie". Años 50
Los Beatles y la "Invasión británica"; Rolling Stones, Kinks, Faces, The Who. Años 60
# Jimi Hendrix y la revolución de la guitarra eléctrica. Años 60
La Psicodelia. Raices del Rock Sinfónico. Pink Floyd, The Doors, Soft Machine. Uso del Moog, el Mellotron y el Sitar. Asimilado por los grupos de la " Invasión británica". Años 60
Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple; aparición del hard rock y del Heavy Metal, raíces del Doom Metal. Mediados de los Años 60
# Stooges, New York Dolls y MC5, comienzo del estilo Proto-punk. Últimos Años 60 - Años 70
# Pink Floyd, Genesis etapa Peter Gabriel, Yes y King Crimson: el Rock progresivo. Primeros Años 70
# Glam rock. T.Rex. Bowie, Queen, Alice Cooper. Provocación y maquillaje. Años 70
Ola de Hard Rock americano. Aerosmith, Kiss, Ted Nugent, Grand Funk Railroad. Años 70
# Ola de Hard Rock americano. Aerosmith, Kiss, Ted Nugent, Grand Funk Railroad. Años 70
# Segunda etapa y desarrollo final del Heavy Metal. Judas Priest, Scorpions y Uriah Heep. Años 70
# Kraut-rock, derivación alemana del rock sinfónico o progresivo, en la se comienza a usar el sintetizador, derivado del Moog, de una cierta manera que provocaría el nacimiento de la música electrónica. Kraftwerk. Años 70
# La gran explosión inglesa del Punk, como reacción a los excesos, vuelta a lo básico; Sex Pistols, The Clash, The Damned. Últimos Años 70.
# La "New Wave", la influencia del Punk en el Pop y el rock. Blondie, The Police.
# Van Halen. Segunda revolución de la guitarra eléctrica. años 70 - Años 80
# Uso del sintetizador en el post-punk y New Wave. Depeche Mode, Sigue Sigue Sputnik. Finales de los Años 70 - Años 80
Rock siniestro, o Darkwave influenciado por el Glam Rock, Punk (con temáticas oscuras) y sobre todo del Rock Psicodélico. Siouxsie,Bauhaus, Joy Division, Sisters of Mercy, The Cure. Los 2 últimos años de los 70 - Años 80.
Raices del Rock Industrial; electrónica y rock comienzan a fusionarse. Throbbing Gristle, KMFDM, Einstürzende Neubauten. Los 2 últimos años de los 70 - Años 80
# Segunda ola Punk americana, raices del Hardcore: Black Flag y The Misfits. Bad Brains. Primeros Años 80
La New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM) . Iron Maiden, Saxon, Def Leppard. Años 80
# Nuevos Románticos. Pop rock FM con influencias "New Wave"; Tears for Fears, Duran Duran. Años 80
El Hard Rock 80's o Glam Metal alcanza su mayor auge; las Hair-Bands, L.A. como centro del rock: Mötley Crüe, Poison, Europe, BonJovi, L.A. Guns, Twisted Sister, Ratt, Dogs D'amour. Mediados de los Años 80, con origen en los últimos 70
Candlemass el Doom Metal se desarrolla alcanzando su máxima expresión, Therion, Paradise Lost. Mediados de los Años 80.
Primeros grupos de rock alternativo. Pixies, Jane's Addiction y Sonic Youth. Años 80
Thrash Metal: Metallica, Sepultura y Suicidal Tendencies. El Heavy Metal y el Hardcore, derivado del Punk, se fusionan. Últimos Años 80 - primeros Años 90.
Rock de fusión. El Rock y el Metal se fusionan con el Rap y el Funk. Fishbone, Faith No More, Red Hot Chili Peppers y Rage Against the Machine. Años 80 - primeros Años 90
Guns n' Roses redefinen el Hard rock. Años 80 - primeros Años 90.
Surge el Gothic Metal, Paradise Lost incluye voces femeninas y teclados al Doom Metal, aparece Lacrimosa como principal influencia 1989. Primeros exponentes The Gathering, The Sins of Thy Beloved, Theatre of Tragedy. Últimos Años 80 - primeros Años 90.
El Rock alternativo, el Grunge, que toma como principales influencias a Black Sabbath y Stooges y el Rock industrial, o Metal industrial (Nine Inch Nails, Ministry), toman la escena como reacción a la frivolidad de las Hair Bands, que prácticamente desaparecen.
Seattle se convierte en el centro del rock. Años 90.
Surge el Stoner rock, a partir del grupo Kyuss, inspirándose en la música de Black Sabbath y en la Psicodelia. Años 90.
# Nu-Metal, el Metal alternativo como Linkin Park o Limp Bizkit, heredero del rock de fusión. Mediados de los Años 90
Segunda etapa del Gothic Metal y Tercera etapa del Gothic Rock, se suprimen las voces guturales del Death en el Gothic Metal:
Nightwish, Within Temptation (1996). Gothic Rock con tendencia al Gothic Metal: Entwine, Evanescence, HIM (199
. Mediados de los Años 90.
# Segunda mitad de la década, nueva ola de Rock, llamado en ocasiones action-rock, fusionando Hard Rock con Punk, como reacción a la intelectualidad del Grunge y el alternativo. Buckcherry, Turbonegro, Backyard Babies. Últimos Años 90 y primeros de la núeva década.
"Americana"; así se le llama al nuevo rock americano; Country y música de raíces americana fusionado con Rock alternativo; Drive By
Truckers, Steve Earle, Lucinda Williams. Vuelta a las raíces, pero con otro punto de vista más actual, partiendo del legado de Gram
Parsons. Últimos Años 90, y primeros de la núeva década.
Importancia social
El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre música negra. La popularización del rock sirvió para que muchos músicos, que eran segregados por su color, pudiesen expresarse y llegar a soñar en radios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockandrolleros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma esta realidad en la canción "Johnny B. Goode", tema que fue el elegido para ser enviado en 1977 en las sondas Voyager, que se enviaron hacia otros planetas y galaxias con datos sobre la existencia y cultura de la especie humana. El mismo año en que el Punk estallaba, removiendo conciencias, en el Reino Unido, este tema de Chuck Berry cruzaba el espacio en busca de otros mundos.
En conclusion el Rock es un estilo musical que sobrepasa fronteras, color de piel y pensamiento..que recorre el mundo entero adhiriendo así mas seguidores.
Análisis musical
En sus inicios y en el estado menos pulido, el rock and roll era un estilo de música sin ninguna influencia blanca, que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que la caracterizaría el resto del siglo. Aparte de la guitarra, el piano era un elemento igual de fundamental.
La progresión de acordes es de blues, es decir: Fundamental - Subdominante - Fundamental - Dominante - Subdominante - Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.
La improvisación también juega un gran papel dentro del estilo, utilizando la escala pentáfona (o pentatónica) con un par de alteraciones, lo que pasara a ser conocido posteriormente como "Escala de Blues".
Genero: Blues
El Blues es un género musical de Estados Unidos.
A las orillas del Misisipi, , alrededor de 1900, en un barrio de la ciudad de Nueva Orleans llamado Storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron nuevas técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas.
El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o "canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas "canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y ferrocarriles.
Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa.
El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues.
Definición
Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o "Blue notes") de la escala mayor. El uso de las "blue notes" y el uso de la técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la distinción. las notas a utilizar son la 1º-4º-5º ej: mi-la-si
La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas.
En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por ejemplo:
Woke up this morning with the blues all in my bed
Yes, I woke up this morning with the blues all in my bed
Fixed my breakfast, the blues was all in my bread
Guitarristas de Blues - Guitarristas recomendados para aprender guitarra fácil
A continuación, vamos a presentar una listas de guitarristas de blues. Existe una gran cantidad de excelentes guitarristas, pero para aquellos que recién se inician en la ejecución de este instrumento, recomendamos escuchar temas e interpretes que dominan el estilo a la perfección. Prestale mucha atención a las frases que arman y a las resoluciones. Notaras también una gran relación entre las frases cantadas y las frases instrumentales logrando esa especie de preguntas y respuestas característicos del blues. Vas a notar que cada uno de estos guitarristas tiene su propio estilo de ejecución, pero lo que sin duda logran es hacer llegar un mensaje musical a través del instrumento. No se trata solo de tocar notas de la escala al azar, lo interesante es poder decir algo con ellas.
Historia
Las primeras formas de Blues evolucionaron en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo XIX y comienzos del XX.
Esta música se caracterizaba por el uso de instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica (conocida como el harpa del blues).
Las canciones tenían una estructura y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar blues), siempre basados en la tónica, subdominante y dominante de la tonalidad.
El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época.
Hacia 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas.
Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los "padres del blues".
Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes.
Hacia 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros.
Hacia 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin' Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales.
Pero para esta época, debido a la evolución del blues, el rock n'roll comenzó a nacer.
La música blues, más tarde, se convirtió en una música de orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de expresión, muchos movimientos llevaban al blues consigo y esto consiguió que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis Joplin, Jimi Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios, llevaron el blues a la gente joven.
Genero : Celta
Con el término genérico de música celta se agrupa a un conjunto de géneros musicales que comprenden desde la música folk tradicional de los celtas que provienen del Oeste de Europa hasta la música producida actualmente y que toma aportes rítmicos de ésta.
celta puede referirse tanto la tradición transmitida oralmente, como a las grabaciones de música popular que sólo tienen una similitud superficial con los estilos populares de los pueblos celtas.
Generalmente, el término se aplica también a la música de Irlanda y Escocia, debido a que ambos países producen una música con estilos bien conocidos y definidos además de ambientes puramente genuinos de este estilo músical. La música de Gales, Cornualles, Isla de Man, Bretaña, Northumbria y, particularmente en España, la música de Galicia y la música de Asturias, toda ella es frecuentemente considerada aparte de la música celta.
La tradición celta es fuerte en Bretaña, donde hay numerosos festivales celtas a lo largo del año. Por último, la música étnicamente celta se ha expandido tanto que puede encontrarse también fuera de Europa. Un ejemplo de ello son Canadá y Estados Unidos
Divisiones
En el libro Celtic Music: A Complete Guide, el autor June Skinner Sawyers[1] reconoce seis tipos de nacionalidades celtas divididas en dos grupos de acuerdo con su herencia lingüística. Las nacionalidades del tipo:
* Grupo de los Q-Célticas (lenguajes Goidélicos) que provienen de los irlandeses, escoceses y maneses.
* El grupo de los P-Célticos que son los que provienen de Cornualles, Bretaña y Gales. En el grupo de los P-Célticos Sawyer menciona a los pueblos celtíberos.
La música bretona (según Alan Stivell) emplea una dicotomía similar, ramificación entre el Gaélico (Irlandes y Escoces) y el grupo Brytónico (Bretón y Gales), que se diferencia "por regla general por un rango extenso (algunas veces más de dos octavas) de las melodías Escocesas y más cercanas al rango de las melodías originarias de Bretaña y Gales (a menudo reducidas a una mitad-octava), y por el uso puro de la escala pentatónica en la música Gaélica ."
Instrumentos y grupos representativos
Los intrsumentos básicos usualmente empleados en la composición e interpretación de música celta moderna son la gaita, el bodhran, el violín, el tin y low whistle y/o la flauta travesera irlandesa.
Algunos de los grupos más representativos del género son The Chieftains, Gwendal o Lúnasa.
Adaptaciones modernas
Las adaptaciones a la música celta comenzaron en 1982 por la invención que hicieron The Pogues con la mezcla de Celta y folk-punk. Fue un movimiento que incorporó influencias celtas en otros géneros de música. Un ejemplo fue Marxman, un grupo de hip hop Jamaico-Irlandés. Marxman ganó mucha notoriedad en Bretaña a finales de los años 1980 y fue grupo censurado desde la BBC por incluir eslóganes del I.R.A. en su música, ejecutada con intrumentos celtas tradicionales. Seannid O'Connor ha permanecido activa en este movimiento de fusión y ha incorporado un amplio rango de influencias modernas en el estillo celta de su música.
En Escocia existen las bandas de Punk Gaélico, tales como Oi Polloi y Mill a h-Uile Rud, que escriben letras y diseñan música en idioma gaélico. Estos grupos tienen mucha fama en estos países. Hoy existe influencia celta en sub-géneros de música popular, tales como House o Trance, hip hop hasta Punk Rock. A todas estas adaptaciones e interprestaciones se les ha denominado a veces como Celtic Fusion
Música celta en español
Música en España
En España es internacionalmente conocido el Festival de Ortigueira como uno de los escaparates de los grupos españoles. Existen diversos grupos y autores que se adaptan más o menos a las definiciones originarias de lo que se entiende por música celta.
José Ángel Hevia es un precursor del tañido de la gaita electrónica, Milladoiro es grupo clásico de la música celta española, Luar Na Lubre, Carlos Núñez, Felpeyu o Llan de Cubel, entre otros, también actúan en este ámbito.
Otros grupos, como Mägo de Oz o Celtas Cortos, exploran ciertas características de este estilo musical, aunque no por ello se puede decir que interpreten "música celta" de forma regular.
Asimismo, la música celta vive actualmente un periodo de apogeo entre el público joven y es cada vez más común su presencia en certámenes y actos culturales destinados a este tipo de público.
Música en Latinoamérica
No existen abundantes grupos de este género en Latinoamérica, dado que es un género que poco a poco se ha ido integrando, pero es posible encontrar algunos grupos. En Argentina, el máximo exponente es Fardaxu, con su folk basado en la tradición asturiana y en la innovación moderna. Una intérprete es Lorena Lores. Cristina Fernández (no Cristina Fernández de Kirchner) hace este tipo de música en Uruguay. En Costa Rica, los grupos Peregrino Gris y Medieval, desde Colombia Awen, Los Bosques y Montaña Gris, en Venezuela, Gaêlica y Cantigueiras da Terra, y en Chile Riveira, Keltoi y Danzante entre otros, también hacen música celta.
Genero : Chillout
Chill Out en inglés significa relajarse, aunque también se aplica este término a un género de música electrónica, muy suave y donde la intención es interpretar distintas melodías, dependiendo del estado de ánimo de la persona. Uno de los referentes es una colección de discos editados por un bar de Ibiza, en España, que se llama Café del Mar, famoso por su chillout a la puesta del sol.
Este género se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, flamenco, vals peruano, huaino peruano, bossa nova, tango y algunos otros géneros étnicos árabes e indios. Junto con el ambient y el lounge (este es una variación del house), estos tres géneros han acaparado gran cantidad de seguidores en el mundo por su sencillez y por su rica variación étnica. Como ejemplo tenemos álbumes como: Café del mar, Bajo Fondo Tango Club, Zen Beats, Buddha Chill Out Lounge,Cholo soy Peruvian Waltz Chillout, Adagio Chill Out, y Cafe Inkaterra, entre otros.
Genero: Country
El country (también llamado western-country) es un estilo musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del sur de los Estados Unidos. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El término country comenzó a ser utilizado en los años 40 en detrimento del término western-country, terminando de consolidarse en los 70.
El country tradicional se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo y el bajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y los teclados.
La familia Carter (The Carter Family) fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers. Ambos influyeron con sus respectivos estilos a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 40 fueron sobre todo cantantes como Pete Seeger y Hank Williams los que contribuyeron a su creciente popularidad. En la década de los 50 la música country adquirió elementos del rock, que por aquel entonces vivía un enorme auge, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas. Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el gran público. Artistas como Kenny Rogers, Shania Twain y Faith Hill, originalmente cantantes de country, venden millones de discos gracias a sus canciones que se acercan mucho al rock y al pop.
Así, el término country, actualmente es un cajón desastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más cercano al pop de los años 60), el bluegrass (popularizado por Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns de Hollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada por Bob Wills), el sonido Backersfield (popularizado por Buck Owens y Merle Haggard), el outlaw country, cajun, zydeco, gospel, oldtime (música folk aterior a 1930), honky tonk, rockabilly o Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejmplo, la canción "Milk cow blues", una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis Presley.
Historia
Vernon Dalhart fue el primer cantante de country en tener un éxito a nivel nacional (en Estados Unidos, en mayo de 1924, con "The Wreck of Old '97". Otros pioneros importantes fueron Riley Puckett, Don Richardson, Fiddling John Carson, Ernest Stoneman y los grupos Charlie Poole and the North Carolina Ramblers y The Skillet Lickers.
Los orígenes del country moderno se encuentran en Jimmie Rodgers y The Carter Family ("La Familia Carter"), que están considerados como los fundadores de la música country, ya que sus canciones fueron las primeras en ser grabadas en la histórica sesión del 1 de agosto de 1927
en Bristol (Tennessee), donde Ralph Peer ejerció como técnico de sonido. Es posible categorizar a muchos intérpretes de country atendiendo a si pertenecen a la rama de Jimmie Rodgers o la rama de la Carter Family.
Influencia de Jimmie Rodgers
Jimmie Rodgers incorporó al country el folk. Rodgers escibió y cantó canciones basadas en baladas tradicionales e influencias musicales de sur. Partió de sus propias experiencias vividas en la ciudad de Meridian (Mississippi) y en la gente pobre que conoció en trenes, bares o en las calles para escribir las letras de sus canciones. Desde el 26 de mayo de 1953, se celebra en Meridian el festival "Jimmi Rodgers Memorial". Se celebra anualmente en mayo, en el aniversario de su muerte.
Personajes patéticos, humor, mujeres, whisky, asesinatos, muerte, enfermedades y pobreza están presentes en sus letras, temas que han sido tomados y desarrollados por sus seguidores. Músicos como Hank Williams, Merle Haggard, Waylon Jennings, George Jones, Townes Van Zandt, Kris Kristofferson o Johnny Cash han sufrido y compartido su sufrimiento, interpretando sus canciones o canciones propias basadas en éstas. Jimmie Rodgers cantó sobre la vida y la muerte desde una perspectiva masculina, un punto de vista que ha dominado en muchas modalidades de country. Su influencia ha sido crítica en el desarrollo del honky tonk, el rockabilly y el sonido Bakersfield.
Hank Williams
Jimmie Rodgers es una pieza clave en la música country, pero el artista más influyente de la "rama de Jimmie Rodgers" es Hank Williams. En su corta carrera (murió a los 29 años) dominó la escena country, y sus canciones han sido interpretadas por prácticamente todos los artistas country, tanto hombres como mujeres. Hank tuvo dos personajes: Hank Williams, el cantautor y "Luke the Drifter", el cantautor moralista y religioso. La complejidad de estos personajes se refleja en las canciones más introspectivas que escribió sobre el amor, la felicidad, el amor y los corazones rotos ("I'm so lonesome I could cry") o las más optimistas sobre la comida cajún ("Jambalaya") o sobre las típicas figuras de madera de indios que aparecen en las tiendas de cigarros estadounidenses ("Kaw-Liga"). Hank Williams llevó al música country a otro nivel y la hizo llegar a un público más amplio.
Su hijo, Hank Williams Jr y su nieto Hank Williams III han sido también grandes innovadores en la música country. Hank Williams Jr. fusiona rock con outlaw country, mientras que Hank Williams III va más allá, rozando el psychobilly y el death metal.
Influencia de The Carter Family
The Carter Family fue el otro descubrimiento de Ralph Peer. En sus comienzos formaban el grupo A. P. Carter (voz), su mujer Sara (voz, arpa y guitarra) y su cuñada Maybelle (guitarra). Desarrollaron una larga carrera musical. A. P. contribuyó con un montón de canciones y baladas recolectadas durante las excursiones que realizaba alrededor de su casa en Maces Springs, (Virginia). Además, al ser un hombre, hizo posible el que Sara y Maybelle se dedicasen a la música sin que ello supusiese un estigma para ellas. Sara y Maybelle se dedicaban a realizar arreglos a las canciones que A. P. recolectaba, además de escribir sus propios temas. Ellas fueron las precursoras de toda una serie de cantantes femeninas de country como Kitty Wells, Patsy Cline, Loretta Lynn, Skeeter Davis, Tammy Wynette, Dolly Parton y June Carter Cash (hija de Maybelle y posteriormente mujer de Johnny Cash).
Bluegrass
El bluegrass continó con la tradición de las antiguas bandas de instrumentos de cuerda estadounidenses y fue inventado, en su forma original, por Bill Monroe. El término "bluegrass" fue tomado del nombre de la banda que acompañaba a Bill: The Blue Grass Boys. La primera grabación que realizaron fue en 1945: Bill Monroe (mandolina y voz), Lester Flatt (guitarra y voz), Earl Scruggs (banjo de cinco cuerdas), Chubby Wise (violín y Cedric Rainwater (contrabajo). El grupo fue el referente para todas las bandas de bluegrass que les siguieron. De hecho, muchas de las primeros y más famosos músicos de bluegrass fueron o miembros, alguna vez, de The Blue Grass Boys (como Lester Flatt & Earl Scruggs, Jimmy Martin y Del McCoury) o tocaron con Monroe ocasionalmente (como Sonny Osborne, The Stanley Brothers o Don Reno). Además, Monroe fue una gran influencia para Ricky Skaggs, Alison Krauss o Sam Bush, quienes mezclaron elementos del folk con el bluegrass.
El sonido Nashville
Durante los años 60 la música country se convirtió en una industria, centrada en Nashville (Tennessee), que movía millardos de dólares. Bajo la dirección de productores como Chet Atkins, Owen Bradley y, posteriormente, Billy Sherrill, el denominado sonido Nashville acercó el country a un público más diverso. El sonido tomó prestados muchos elementos del pop de los años 50: voces suaves acompañadas de una sección de cuerdas y coros vocales. Los artistas más importantes fueron Patsy Cline, Jim Reeves y, posteriormente, Tammy Wynette y Charlie Rich. Debido a que la música country tenía una gran variedad estilística, hubo muchas voces críticas que señalaron que el sonido Nashville estaba acotando esta diversidad.
Genero: Dance
Dance es el nombre genérico que recibe el estilo de música de baile moderna realizada mediante sintetizadores, tanto electrónicos como en programas manejados por un ordenador. Además, pueden intervenir tanto la voz (en piezas vocales) como otros instrumentos (aunque normalmente se usan samples).
Como toda música, se compone de una serie de compases marcados por el ritmo, que varían dependiendo del tipo de música electrónica con el que se trate. Los compases son de 4/4, y su tempo, puede ir, dependiendo del subestilo, de 120 notas negras (BPM) en el House, 140 en el Techno, e incluso llegar a unos 200 BPM en el Hardcore.
En esta música es también muy importante la figura del DJ, ya que se encarga de poner y mezclar la música.
Otra acepción de este término es el empleado para definir el conjunto de subestilos de la música electrónica, en su variante más comercial, con melodías o acordes de sintetizador pegadizos y con toques o arreglos cogidos de la música Pop.
A lo largo del tiempo se le ha denominado de muchas maneras dependiendo de la influencia en mayor o menor medida de algunos de los géneros de la música Dance como podrían ser:
- ClubHouse, del 89 al 92. Influencia House. Con muchos acordes de piano ("I can't stand it" de Twenty Four Seven o "Gipsy Woman" de Crystal Waters)
-EuroBeat, del 92 al 94. Influencia Techno. Con acordes secos y cortos heredados del Rave ("Twilight zone" de 2 Unlimited o "Mr. Vain" de Culture Beat)
EuroDance, del 94 al 97. Influencia más melódica del Pop. Con mucha melodía y entonación alegre mayoritariamente con temas de los 80 remezclados o del momento versioneados (Covers) ("Dancing with an angel" de Double You o "Juliet" de Robin)
-Pizzicato, del 97 al 98. Influencia Trance. Sonidos más hipnóticos con repeticiones de acordes que recuerdan al Eurobeat ("Encore une fois" de Sash o "Lift me up" de Red 5)
Y así sucesivamente a lo largo de los años hasta que hacia 2005 los estilos predominantes se distanciaron quedando la música de baile comercial más englobada dentro del estilo House.
Historia
El Dance a partir de la evolución de la música disco de los años 1980. A mediados de los 90, empezó el nuevo movimiento de música electrónica, que fue derivando hacia diferentes estilos, como el Dance y el House.
A finales de los 90, la música Dance comercial llegó a la cima, siendo muy popular en todos los países de Europa, gracias a un boom que tuvo como protagonistas a Hot Butter, Gigi D'Agostino, Master Blaster, Eiffel 65, Gabry Ponte entre muchos otros, la mayoría de origen italiano.
Hoy en día el Dance comercial vive una dura crisis debido al empuje de estilos como el House (otra de las derivaciones de la música disco) y el reggaeton. El paso de grandes artistas del dance a otros estilos, como el House (Prezioso) o incluso el Pop ha hecho decaer el estilo musical.
Aún así, algunos de los Djs continúan su trabajo en este estilo, como Gabry Ponte y Gigi D'Agostino, creador y principal representante del sonido electrónico mediterráneo en la actualidad
Clasificación
Principales estilos dentro de la música dance:
* Dance
* Hardcore
* House
* Mákina
* Tecno (ó techno)
* Trance
Subestilos y otras clasificaciones y denominaciones:
* Bakalao
* Italodance
* Breakbeat
* Cantadita
* Eurodance
* Gabba ó Gabber
* Happy hardcore
* Jungle
* Progressive
* Techno-house
* Tribal
* Hardhouse
* Electro
* Dark Tecno
* Hardtechno
* Harddance
* Hardhouse
* Bumping
* Minimal
# Deep
# Hardstyle
# Jumper
Además hay otros subestilos dentro de ellos, Actualmente, gracias a la globalización, la cultura dance y electrónica se ha expandido tanto, que las culturas de diversos países (cultura músical) se han ido moldeando a nuevos ritmos y cada vez se van creando más generos de música.
Genero: Electronica
Música electrónica es un término amplio para definir a la música generada mediante el uso de equipo electrónico.
Cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra o un bajo eléctrico, o incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces) podría ser correctamente llamado electrónico; pero el uso ha restringido este término exclusivamente para la música generada por sintetizadores, samplers, computadoras y máquinas de ritmo.
También se le puede decir música electrónica a la música por computadora, debido a que existe software que digitaliza, manipula o procesa los sonidos, en contraste con los sintetizadores analógicos que usan hardware eléctrico para manipular las señales. Recientemente se ha comenzado a utilizar sintetizadores de software que se han diseñado específicamente para emular el sonido de los «prehistóricos» instrumentos analógicos.
El concepto de música electrónica da cabida tanto a variedades experimentales y obras "serias" como a estilos populares, producciones dance y géneros comerciales.
Historia
Fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX
El primer instrumento puramente electrónico fue el telearmonio o Telharmonium, inventado por Thaddeus Cahill en 1897. Un inconveniente muy simple impidió la adopción popular del telearmonio: pesaba siete toneladas y tenía el tamaño de un automóvil.
Se considera que el primer instrumento electrónico práctico fue el teremín, inventado por el profesor Leon Theremin entre 1919 y 1920.
Otro primitivo instrumento electrónico fueron las Ondas Martenot, que se utilizó por ejemplo en la sinfonía Turanga Līlā (‘los pasatiempos de la mente’ en sánscrito) de Olivier Messiaen y en obras de compositores principalmente franceses, como André Jolivet.
El Manifiesto futurista de Marinetti (1910) poseía postulados que rápidamente se extenderían al mundo de la música (y de otras disciplinas artísticas), tal como lo reflejaron pioneros como Luigi Russolo, Edgar Varése, Joe Meek, Martenot y muchos otros.
Años sesenta y setenta
En el Taller Radiofónico, la unidad de efectos especiales de sonido de la BBC, Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who.
Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
Wendy Carlos popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado y El sintetizador bien temperado, que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).
Rock
Esas primeras máquinas eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos tecladistas, como Keith Emerson (de Emerson, Lake and Palmer las utilizaban en sus recitales. El teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos), fue usado en música popular, muy notablemente en Good Vibrations de The Beach Boys. También el Mellotron aparece en Strawberry Fields Forever de The Beatles. Y el pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.
Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la costa oeste de EE.UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que —al contrario que el Moog— no se basaba en un teclado.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda su música era electrónica (con la destacada excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. (El uso de los medios electrónicos se volvió tan cliché que a mediados de los setenta, el grupo británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía "¡Sin sintetizadores!).
Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.
Alemania
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del kraut rock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música House, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.
Samplers y New Wave
A fines de los años setenta y comienzo de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores. Los primeros samplers eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de samplers económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo electrónico.
Años ochenta
Mezclas del estilo Electro con el House generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE.UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode, lo que generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dancefloor europeo.
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. El sonido de la música dance a veces presenta sonidos alterados electrónicamente (samples) de instrumentos tradicionales y voces.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.
Música industrial
Artículo principal: Música industrial
La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.
Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la musique concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos (Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (Front 242, Skinny Puppy) combinaron esa aspereza con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en este área está el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.
Jazz electrónico
En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Comercialización y bandas de películas
Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industrica del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (‘La naranja mecánica’, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess.
La banda de sonido de Forbidden Planet (‘El planeta prohibido’), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.
Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas sonoras.
Años noventa
En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países se incorporaron elementos nuevos, como es el caso del Jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña, como el Dub o el Nortec, derivado de la música tradicional mexicana y la electrónica.
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como el progressive y el deep house.
En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadoras.
Una de las mejores canciones de la mùsica electrònica es "Children" de Robert Miles.
Tambien Vèase aqui "Children" by Robert Miles
Genero: Garage
La música garage tiene su origen en la ciudad de Nueva York y es una variante del género House de ascendencia disco y soul. Se caracteriza principalmente por las poderosas voces, desbordantes de sentimiento y tradición negra, de house divas como Adeva, Liz Torres o la incombustible Jocelyn Brown.
Subgéneros
* El Garage House es una evolución del sonido disco que se puso tan de moda en los 70 y que casi siempre encontraba la unión de las voces negras de soul y jazz con una base bailable. El nombre proviene de la discoteca «Paradise Garage» de Nueva York, donde pinchaba el mítico DJ Larry Levan.
Genero: Grunge
grunge es un género musical, inspirado en el punk y en el heavy metal, con toda la esencia del indie rock. Surge a finales de la década de los ochenta y a principios de los noventa, con miembros provenientes de la época conocida popularmente como la Generación X. Bandas provenientes de las ciudades del Pacífico Noroeste de los Estados Unidos, como Seattle, Olympia, Washington, y Portland, Oregon, hicieron del grunge un género músical muy popular.
Características
Como estilo musical, se caracteriza por las guitarras distorsionadas, melodías repetitivas, y batería pesada. El grunge también es llamado popularmente como el Seattle Sound (sonido de Seattle). O también en algunos casos por sus líricas depresivas Doom Rock Varios sellos musicales independientes fueron en un principio los que permitieron llevar este estilo de música al público. Muchas de las bandas más exitosas de la era fueron asociadas con la compañía discográfica independiente Sub Pop de Seattle, sin embargo otros sellos independientes de Seattle también ganaron reconocimiento, incluyendo Kill Rock Stars y K Records. David Geffen también tuvo un papel importante en la comercialización del grunge.
El movimiento grunge tuvo también fuertes influencias de la cultura musical del noroeste de Estados Unidos y de la cultura juvenil local. El parecido a bandas de esa zona como los Wailers y, más particularmente, los Sonics es notoria. La influencia de esa zona también se puede notar en el hecho de que la vestimenta asociada al movimiento grunge surgió de la mezcla de una estética punk con la típica ropa de la región (por ejemplo, franelas).
También su filosofia se resume en carecer de inquietudes trascendentales porque piensan que lo que se puede hacer en la vida no sirve para nada[cita requerida].
Historia
El surgimiento del "grunge" como un género y la acogida masiva de la audiencia se considera como una reacción contra el dominio popular del
hair metal, representado por bandas como W.A.S.P., Poison, Bon Jovi, Europe o Def Leppard, que habían estado dominando los rankings
musicales, especialmente en los Estados Unidos, por varios años. La música grunge puede ser contrastada con las letras machistas del hair metal, ya que posee mayor sensibilidad, y una marcada conciencia social.
El grunge fue acogido por la juventud por su simple desafío a las entonces normas culturales. El gusto por la ropa cara fue cambiado a favor de las franelas, jeans y las Dr. Marten o botas opuestas (especialmente en Inglaterra donde los jóvenes vestidos así son llamados grungers). El tradicional Rock and Roll asociado al lujo se fue rechazado durante el tiempo que predominó el grunge.
El sostén principal del grunge fue el llamado Grupo de las 4: Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden. Nirvana es generalmente valorado por romper el género dentro de la conciencia popular en 1991. El éxito de la canción "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana sorprendió a toda la industria musical. El álbum fue un hit #1 alrededor del mundo, y dejó el camino hecho para que otras bandas pudieran hacerse conocidas. Para muchos, el grunge paso a ser casi totalmente asociado con estas bandas y sus actitudes rebeldes contra las convenciones sociales.
Se ha debatido ampliamente acerca de quien merece el título de "Padrino del Grunge". Chris Cornell de Soundgarden, Mark Arm de Mudhoney, Kurt Cobain de Nirvana, Jerry Cantrell de Alice in Chains, Eddie Vedder de Pearl Jam, Andrew Wood de Malfunkshun/Mother Love Bone, Buzz Osborne de The Melvins, y Neil Young han sido acreditados en un momento u otro. (vea link externo abajo para más detalles sobre el debate de quien es realmente el "Padrino del Grunge").
Muchas de las bandas grunge, sobre todo las de Seattle y sus alrededores, tienen influencia de The Melvins. En el potente sonido de "Gluey Porch Treatments" (The Melvins), se aprecia el género en su más puro estilo. Neil Young también cumplió un trascendental papel en la derivación del género hacia lo comercial, al igual que Kiss, que influyó con su sonido crudo y sucio en su primera etapa.
La popularidad de la música grunge fue de corta vida, sin embargo. Cuando Kurt Cobain (de Nirvana) murió en abril de 1994, la música grunge efectivamente empezó su descenso. Irónicamente, Cobain había sido fotografiado frecuentemente vistiendo camisas playeras afirmando que el "Grunge esta Muerto".
La conciencia general de los fans e historiadores de la música es que el género fue bastante opuesto al estrellato que actualmente logra larga y duradera popularidad. Muchas bandas grunge rehusaron cooperar con los sellos discográficos para hacer amistosos ganchos publicitarios en la radio, y entonces las discográficas encontraron nuevas bandas que estaban dispuestas a hacerlo, a pesar de tener que utilizar un sonido aguado y decaído que no agradó a los antiguos fans del género.
Para muchos fans del género, éste murió hasta la disolución de la banda pionera del grunge Soundgarden en 1997 cuando ellos finalmente reconocieron que el grunge (como corriente musical) había muerto. Para otros el ciclo Grunge termina definitivamente con la muerte del cantante de Alice In Chains, Layne Staley. Muchas bandas grunge han continuado grabando y realizando giras pero con éxitos más limitados, incluyendo, más significativamente, Pearl Jam. Esta banda ha logrado perdurar e influir en la opinión pública a pesar de su sostenida actitud anticomercial.
El rock and roll es un género musical de marcado ritmo, derivado de una mezcla de diversos estilos del folclore estadounidense. El término «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una radio de Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock'n'Roll Party. Este término se suele reservar para la primera época de este estilo (fundamentalmente la década de los años 50 del siglo XX), mientras que su abreviatura, rock, se suele emplear para referirse al resto de la historia de éste género musical
Precursores y orígenes
El Rock and Roll emergió como un estilo músical definido en Estados Unidos en la década de 1950, algunos elementos del rock and roll pueden ser escuchados en las grabaciones de blues tan lejanas como de los años 1920 Los inicios del rock and roll combina elementos del blues,boogie woogie, y jazz con influencias de la música folklórica Apalache, gospel, country y western especializado.
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con "Crazy Man Crazy" (1954) y su gran éxito "Rock Around The Clock" (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon.
Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll el 1954, año en el que Presley editó su primer disco.
Cada uno de sus subgéneros pueden mezclarse sutilmente entre si y pueden además recoger elementos de cada una de sus sub-ideologías,lo que hace al rock una cultura variada y rica en pensamientos y sonidos.
Este movimiento implica actitud, compromiso y radicalidad, lo que lo hace más que una simple opinión, un estilo de vida, una razón
Desarrollo y Evolución
A partir de los años 1960, el estilo ha tenido un importante desarrollo y evolución, que se expresó en una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos, a los que en términos generales se llamó «rock». Gracias a la influencia de grupos y variaciones de otros países, el Rock se convirtió en un fenómeno cultural y musical que se empezó a extender alrededor del mundo.
Algunos subgéneros musicales derivados son el hard-rock, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo, el Glam o el heavy metal, aunque entre todos ellos siguen existiendo los suficientes elementos comunes como para llamarlos rock n' roll; así Lennon definió al Glam, como "rock n'roll con pintalabios", y a los propios músicos de Hard Rock o Punk, les agrada definirse como músicos de rock n'roll, por encima de las etiquetas y fronteras estilísticas que se colocan para mayor comprensión del público.
Cronología
Algunos de los momentos de mayor importancia en la evolución del género fueron los siguientes, por orden cronológico:
# Chuck Berry y Little Richard; el rock eminentemente "negro". Años 50
# Gene Vincent, Eddie Cochran, y Roy Orbison Popularizan innumerables éxitos. Años 50
Aparición de Elvis Presley, popularización del rock a gran escala. Años 50
"El día en que murió la música". Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper fallecen en un accidente de avión. La industria inunda la escena de artistas cómodos y prefabricados. Años más tarde, Don McLean trataría este tema en su canción "American Pie". Años 50
Los Beatles y la "Invasión británica"; Rolling Stones, Kinks, Faces, The Who. Años 60
# Jimi Hendrix y la revolución de la guitarra eléctrica. Años 60
La Psicodelia. Raices del Rock Sinfónico. Pink Floyd, The Doors, Soft Machine. Uso del Moog, el Mellotron y el Sitar. Asimilado por los grupos de la " Invasión británica". Años 60
Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple; aparición del hard rock y del Heavy Metal, raíces del Doom Metal. Mediados de los Años 60
# Stooges, New York Dolls y MC5, comienzo del estilo Proto-punk. Últimos Años 60 - Años 70
# Pink Floyd, Genesis etapa Peter Gabriel, Yes y King Crimson: el Rock progresivo. Primeros Años 70
# Glam rock. T.Rex. Bowie, Queen, Alice Cooper. Provocación y maquillaje. Años 70
Ola de Hard Rock americano. Aerosmith, Kiss, Ted Nugent, Grand Funk Railroad. Años 70
# Ola de Hard Rock americano. Aerosmith, Kiss, Ted Nugent, Grand Funk Railroad. Años 70
# Segunda etapa y desarrollo final del Heavy Metal. Judas Priest, Scorpions y Uriah Heep. Años 70
# Kraut-rock, derivación alemana del rock sinfónico o progresivo, en la se comienza a usar el sintetizador, derivado del Moog, de una cierta manera que provocaría el nacimiento de la música electrónica. Kraftwerk. Años 70
# La gran explosión inglesa del Punk, como reacción a los excesos, vuelta a lo básico; Sex Pistols, The Clash, The Damned. Últimos Años 70.
# La "New Wave", la influencia del Punk en el Pop y el rock. Blondie, The Police.
# Van Halen. Segunda revolución de la guitarra eléctrica. años 70 - Años 80
# Uso del sintetizador en el post-punk y New Wave. Depeche Mode, Sigue Sigue Sputnik. Finales de los Años 70 - Años 80
Rock siniestro, o Darkwave influenciado por el Glam Rock, Punk (con temáticas oscuras) y sobre todo del Rock Psicodélico. Siouxsie,Bauhaus, Joy Division, Sisters of Mercy, The Cure. Los 2 últimos años de los 70 - Años 80.
Raices del Rock Industrial; electrónica y rock comienzan a fusionarse. Throbbing Gristle, KMFDM, Einstürzende Neubauten. Los 2 últimos años de los 70 - Años 80
# Segunda ola Punk americana, raices del Hardcore: Black Flag y The Misfits. Bad Brains. Primeros Años 80
La New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM) . Iron Maiden, Saxon, Def Leppard. Años 80
# Nuevos Románticos. Pop rock FM con influencias "New Wave"; Tears for Fears, Duran Duran. Años 80
El Hard Rock 80's o Glam Metal alcanza su mayor auge; las Hair-Bands, L.A. como centro del rock: Mötley Crüe, Poison, Europe, BonJovi, L.A. Guns, Twisted Sister, Ratt, Dogs D'amour. Mediados de los Años 80, con origen en los últimos 70
Candlemass el Doom Metal se desarrolla alcanzando su máxima expresión, Therion, Paradise Lost. Mediados de los Años 80.
Primeros grupos de rock alternativo. Pixies, Jane's Addiction y Sonic Youth. Años 80
Thrash Metal: Metallica, Sepultura y Suicidal Tendencies. El Heavy Metal y el Hardcore, derivado del Punk, se fusionan. Últimos Años 80 - primeros Años 90.
Rock de fusión. El Rock y el Metal se fusionan con el Rap y el Funk. Fishbone, Faith No More, Red Hot Chili Peppers y Rage Against the Machine. Años 80 - primeros Años 90
Guns n' Roses redefinen el Hard rock. Años 80 - primeros Años 90.
Surge el Gothic Metal, Paradise Lost incluye voces femeninas y teclados al Doom Metal, aparece Lacrimosa como principal influencia 1989. Primeros exponentes The Gathering, The Sins of Thy Beloved, Theatre of Tragedy. Últimos Años 80 - primeros Años 90.
El Rock alternativo, el Grunge, que toma como principales influencias a Black Sabbath y Stooges y el Rock industrial, o Metal industrial (Nine Inch Nails, Ministry), toman la escena como reacción a la frivolidad de las Hair Bands, que prácticamente desaparecen.
Seattle se convierte en el centro del rock. Años 90.
Surge el Stoner rock, a partir del grupo Kyuss, inspirándose en la música de Black Sabbath y en la Psicodelia. Años 90.
# Nu-Metal, el Metal alternativo como Linkin Park o Limp Bizkit, heredero del rock de fusión. Mediados de los Años 90
Segunda etapa del Gothic Metal y Tercera etapa del Gothic Rock, se suprimen las voces guturales del Death en el Gothic Metal:
Nightwish, Within Temptation (1996). Gothic Rock con tendencia al Gothic Metal: Entwine, Evanescence, HIM (199
. Mediados de los Años 90.# Segunda mitad de la década, nueva ola de Rock, llamado en ocasiones action-rock, fusionando Hard Rock con Punk, como reacción a la intelectualidad del Grunge y el alternativo. Buckcherry, Turbonegro, Backyard Babies. Últimos Años 90 y primeros de la núeva década.
"Americana"; así se le llama al nuevo rock americano; Country y música de raíces americana fusionado con Rock alternativo; Drive By
Truckers, Steve Earle, Lucinda Williams. Vuelta a las raíces, pero con otro punto de vista más actual, partiendo del legado de Gram
Parsons. Últimos Años 90, y primeros de la núeva década.
Importancia social
El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre música negra. La popularización del rock sirvió para que muchos músicos, que eran segregados por su color, pudiesen expresarse y llegar a soñar en radios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockandrolleros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma esta realidad en la canción "Johnny B. Goode", tema que fue el elegido para ser enviado en 1977 en las sondas Voyager, que se enviaron hacia otros planetas y galaxias con datos sobre la existencia y cultura de la especie humana. El mismo año en que el Punk estallaba, removiendo conciencias, en el Reino Unido, este tema de Chuck Berry cruzaba el espacio en busca de otros mundos.
En conclusion el Rock es un estilo musical que sobrepasa fronteras, color de piel y pensamiento..que recorre el mundo entero adhiriendo así mas seguidores.
Análisis musical
En sus inicios y en el estado menos pulido, el rock and roll era un estilo de música sin ninguna influencia blanca, que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que la caracterizaría el resto del siglo. Aparte de la guitarra, el piano era un elemento igual de fundamental.
La progresión de acordes es de blues, es decir: Fundamental - Subdominante - Fundamental - Dominante - Subdominante - Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.
La improvisación también juega un gran papel dentro del estilo, utilizando la escala pentáfona (o pentatónica) con un par de alteraciones, lo que pasara a ser conocido posteriormente como "Escala de Blues".
Genero: Blues
El Blues es un género musical de Estados Unidos.
A las orillas del Misisipi, , alrededor de 1900, en un barrio de la ciudad de Nueva Orleans llamado Storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron nuevas técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas.
El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o "canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas "canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y ferrocarriles.
Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa.
El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues.
Definición
Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o "Blue notes") de la escala mayor. El uso de las "blue notes" y el uso de la técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la distinción. las notas a utilizar son la 1º-4º-5º ej: mi-la-si
La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas.
En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por ejemplo:
Woke up this morning with the blues all in my bed
Yes, I woke up this morning with the blues all in my bed
Fixed my breakfast, the blues was all in my bread
Guitarristas de Blues - Guitarristas recomendados para aprender guitarra fácil
A continuación, vamos a presentar una listas de guitarristas de blues. Existe una gran cantidad de excelentes guitarristas, pero para aquellos que recién se inician en la ejecución de este instrumento, recomendamos escuchar temas e interpretes que dominan el estilo a la perfección. Prestale mucha atención a las frases que arman y a las resoluciones. Notaras también una gran relación entre las frases cantadas y las frases instrumentales logrando esa especie de preguntas y respuestas característicos del blues. Vas a notar que cada uno de estos guitarristas tiene su propio estilo de ejecución, pero lo que sin duda logran es hacer llegar un mensaje musical a través del instrumento. No se trata solo de tocar notas de la escala al azar, lo interesante es poder decir algo con ellas.
Historia
Las primeras formas de Blues evolucionaron en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo XIX y comienzos del XX.
Esta música se caracterizaba por el uso de instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica (conocida como el harpa del blues).
Las canciones tenían una estructura y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar blues), siempre basados en la tónica, subdominante y dominante de la tonalidad.
El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época.
Hacia 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas.
Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los "padres del blues".
Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes.
Hacia 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros.
Hacia 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin' Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales.
Pero para esta época, debido a la evolución del blues, el rock n'roll comenzó a nacer.
La música blues, más tarde, se convirtió en una música de orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de expresión, muchos movimientos llevaban al blues consigo y esto consiguió que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis Joplin, Jimi Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios, llevaron el blues a la gente joven.
Genero : Celta
Con el término genérico de música celta se agrupa a un conjunto de géneros musicales que comprenden desde la música folk tradicional de los celtas que provienen del Oeste de Europa hasta la música producida actualmente y que toma aportes rítmicos de ésta.
celta puede referirse tanto la tradición transmitida oralmente, como a las grabaciones de música popular que sólo tienen una similitud superficial con los estilos populares de los pueblos celtas.
Generalmente, el término se aplica también a la música de Irlanda y Escocia, debido a que ambos países producen una música con estilos bien conocidos y definidos además de ambientes puramente genuinos de este estilo músical. La música de Gales, Cornualles, Isla de Man, Bretaña, Northumbria y, particularmente en España, la música de Galicia y la música de Asturias, toda ella es frecuentemente considerada aparte de la música celta.
La tradición celta es fuerte en Bretaña, donde hay numerosos festivales celtas a lo largo del año. Por último, la música étnicamente celta se ha expandido tanto que puede encontrarse también fuera de Europa. Un ejemplo de ello son Canadá y Estados Unidos
Divisiones
En el libro Celtic Music: A Complete Guide, el autor June Skinner Sawyers[1] reconoce seis tipos de nacionalidades celtas divididas en dos grupos de acuerdo con su herencia lingüística. Las nacionalidades del tipo:
* Grupo de los Q-Célticas (lenguajes Goidélicos) que provienen de los irlandeses, escoceses y maneses.
* El grupo de los P-Célticos que son los que provienen de Cornualles, Bretaña y Gales. En el grupo de los P-Célticos Sawyer menciona a los pueblos celtíberos.
La música bretona (según Alan Stivell) emplea una dicotomía similar, ramificación entre el Gaélico (Irlandes y Escoces) y el grupo Brytónico (Bretón y Gales), que se diferencia "por regla general por un rango extenso (algunas veces más de dos octavas) de las melodías Escocesas y más cercanas al rango de las melodías originarias de Bretaña y Gales (a menudo reducidas a una mitad-octava), y por el uso puro de la escala pentatónica en la música Gaélica ."
Instrumentos y grupos representativos
Los intrsumentos básicos usualmente empleados en la composición e interpretación de música celta moderna son la gaita, el bodhran, el violín, el tin y low whistle y/o la flauta travesera irlandesa.
Algunos de los grupos más representativos del género son The Chieftains, Gwendal o Lúnasa.
Adaptaciones modernas
Las adaptaciones a la música celta comenzaron en 1982 por la invención que hicieron The Pogues con la mezcla de Celta y folk-punk. Fue un movimiento que incorporó influencias celtas en otros géneros de música. Un ejemplo fue Marxman, un grupo de hip hop Jamaico-Irlandés. Marxman ganó mucha notoriedad en Bretaña a finales de los años 1980 y fue grupo censurado desde la BBC por incluir eslóganes del I.R.A. en su música, ejecutada con intrumentos celtas tradicionales. Seannid O'Connor ha permanecido activa en este movimiento de fusión y ha incorporado un amplio rango de influencias modernas en el estillo celta de su música.
En Escocia existen las bandas de Punk Gaélico, tales como Oi Polloi y Mill a h-Uile Rud, que escriben letras y diseñan música en idioma gaélico. Estos grupos tienen mucha fama en estos países. Hoy existe influencia celta en sub-géneros de música popular, tales como House o Trance, hip hop hasta Punk Rock. A todas estas adaptaciones e interprestaciones se les ha denominado a veces como Celtic Fusion
Música celta en español
Música en España
En España es internacionalmente conocido el Festival de Ortigueira como uno de los escaparates de los grupos españoles. Existen diversos grupos y autores que se adaptan más o menos a las definiciones originarias de lo que se entiende por música celta.
José Ángel Hevia es un precursor del tañido de la gaita electrónica, Milladoiro es grupo clásico de la música celta española, Luar Na Lubre, Carlos Núñez, Felpeyu o Llan de Cubel, entre otros, también actúan en este ámbito.
Otros grupos, como Mägo de Oz o Celtas Cortos, exploran ciertas características de este estilo musical, aunque no por ello se puede decir que interpreten "música celta" de forma regular.
Asimismo, la música celta vive actualmente un periodo de apogeo entre el público joven y es cada vez más común su presencia en certámenes y actos culturales destinados a este tipo de público.
Música en Latinoamérica
No existen abundantes grupos de este género en Latinoamérica, dado que es un género que poco a poco se ha ido integrando, pero es posible encontrar algunos grupos. En Argentina, el máximo exponente es Fardaxu, con su folk basado en la tradición asturiana y en la innovación moderna. Una intérprete es Lorena Lores. Cristina Fernández (no Cristina Fernández de Kirchner) hace este tipo de música en Uruguay. En Costa Rica, los grupos Peregrino Gris y Medieval, desde Colombia Awen, Los Bosques y Montaña Gris, en Venezuela, Gaêlica y Cantigueiras da Terra, y en Chile Riveira, Keltoi y Danzante entre otros, también hacen música celta.
Genero : Chillout
Chill Out en inglés significa relajarse, aunque también se aplica este término a un género de música electrónica, muy suave y donde la intención es interpretar distintas melodías, dependiendo del estado de ánimo de la persona. Uno de los referentes es una colección de discos editados por un bar de Ibiza, en España, que se llama Café del Mar, famoso por su chillout a la puesta del sol.
Este género se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, flamenco, vals peruano, huaino peruano, bossa nova, tango y algunos otros géneros étnicos árabes e indios. Junto con el ambient y el lounge (este es una variación del house), estos tres géneros han acaparado gran cantidad de seguidores en el mundo por su sencillez y por su rica variación étnica. Como ejemplo tenemos álbumes como: Café del mar, Bajo Fondo Tango Club, Zen Beats, Buddha Chill Out Lounge,Cholo soy Peruvian Waltz Chillout, Adagio Chill Out, y Cafe Inkaterra, entre otros.
Genero: Country
El country (también llamado western-country) es un estilo musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del sur de los Estados Unidos. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El término country comenzó a ser utilizado en los años 40 en detrimento del término western-country, terminando de consolidarse en los 70.
El country tradicional se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo y el bajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y los teclados.
La familia Carter (The Carter Family) fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers. Ambos influyeron con sus respectivos estilos a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 40 fueron sobre todo cantantes como Pete Seeger y Hank Williams los que contribuyeron a su creciente popularidad. En la década de los 50 la música country adquirió elementos del rock, que por aquel entonces vivía un enorme auge, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas. Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el gran público. Artistas como Kenny Rogers, Shania Twain y Faith Hill, originalmente cantantes de country, venden millones de discos gracias a sus canciones que se acercan mucho al rock y al pop.
Así, el término country, actualmente es un cajón desastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más cercano al pop de los años 60), el bluegrass (popularizado por Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns de Hollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada por Bob Wills), el sonido Backersfield (popularizado por Buck Owens y Merle Haggard), el outlaw country, cajun, zydeco, gospel, oldtime (música folk aterior a 1930), honky tonk, rockabilly o Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejmplo, la canción "Milk cow blues", una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis Presley.
Historia
Vernon Dalhart fue el primer cantante de country en tener un éxito a nivel nacional (en Estados Unidos, en mayo de 1924, con "The Wreck of Old '97". Otros pioneros importantes fueron Riley Puckett, Don Richardson, Fiddling John Carson, Ernest Stoneman y los grupos Charlie Poole and the North Carolina Ramblers y The Skillet Lickers.
Los orígenes del country moderno se encuentran en Jimmie Rodgers y The Carter Family ("La Familia Carter"), que están considerados como los fundadores de la música country, ya que sus canciones fueron las primeras en ser grabadas en la histórica sesión del 1 de agosto de 1927
en Bristol (Tennessee), donde Ralph Peer ejerció como técnico de sonido. Es posible categorizar a muchos intérpretes de country atendiendo a si pertenecen a la rama de Jimmie Rodgers o la rama de la Carter Family.
Influencia de Jimmie Rodgers
Jimmie Rodgers incorporó al country el folk. Rodgers escibió y cantó canciones basadas en baladas tradicionales e influencias musicales de sur. Partió de sus propias experiencias vividas en la ciudad de Meridian (Mississippi) y en la gente pobre que conoció en trenes, bares o en las calles para escribir las letras de sus canciones. Desde el 26 de mayo de 1953, se celebra en Meridian el festival "Jimmi Rodgers Memorial". Se celebra anualmente en mayo, en el aniversario de su muerte.
Personajes patéticos, humor, mujeres, whisky, asesinatos, muerte, enfermedades y pobreza están presentes en sus letras, temas que han sido tomados y desarrollados por sus seguidores. Músicos como Hank Williams, Merle Haggard, Waylon Jennings, George Jones, Townes Van Zandt, Kris Kristofferson o Johnny Cash han sufrido y compartido su sufrimiento, interpretando sus canciones o canciones propias basadas en éstas. Jimmie Rodgers cantó sobre la vida y la muerte desde una perspectiva masculina, un punto de vista que ha dominado en muchas modalidades de country. Su influencia ha sido crítica en el desarrollo del honky tonk, el rockabilly y el sonido Bakersfield.
Hank Williams
Jimmie Rodgers es una pieza clave en la música country, pero el artista más influyente de la "rama de Jimmie Rodgers" es Hank Williams. En su corta carrera (murió a los 29 años) dominó la escena country, y sus canciones han sido interpretadas por prácticamente todos los artistas country, tanto hombres como mujeres. Hank tuvo dos personajes: Hank Williams, el cantautor y "Luke the Drifter", el cantautor moralista y religioso. La complejidad de estos personajes se refleja en las canciones más introspectivas que escribió sobre el amor, la felicidad, el amor y los corazones rotos ("I'm so lonesome I could cry") o las más optimistas sobre la comida cajún ("Jambalaya") o sobre las típicas figuras de madera de indios que aparecen en las tiendas de cigarros estadounidenses ("Kaw-Liga"). Hank Williams llevó al música country a otro nivel y la hizo llegar a un público más amplio.
Su hijo, Hank Williams Jr y su nieto Hank Williams III han sido también grandes innovadores en la música country. Hank Williams Jr. fusiona rock con outlaw country, mientras que Hank Williams III va más allá, rozando el psychobilly y el death metal.
Influencia de The Carter Family
The Carter Family fue el otro descubrimiento de Ralph Peer. En sus comienzos formaban el grupo A. P. Carter (voz), su mujer Sara (voz, arpa y guitarra) y su cuñada Maybelle (guitarra). Desarrollaron una larga carrera musical. A. P. contribuyó con un montón de canciones y baladas recolectadas durante las excursiones que realizaba alrededor de su casa en Maces Springs, (Virginia). Además, al ser un hombre, hizo posible el que Sara y Maybelle se dedicasen a la música sin que ello supusiese un estigma para ellas. Sara y Maybelle se dedicaban a realizar arreglos a las canciones que A. P. recolectaba, además de escribir sus propios temas. Ellas fueron las precursoras de toda una serie de cantantes femeninas de country como Kitty Wells, Patsy Cline, Loretta Lynn, Skeeter Davis, Tammy Wynette, Dolly Parton y June Carter Cash (hija de Maybelle y posteriormente mujer de Johnny Cash).
Bluegrass
El bluegrass continó con la tradición de las antiguas bandas de instrumentos de cuerda estadounidenses y fue inventado, en su forma original, por Bill Monroe. El término "bluegrass" fue tomado del nombre de la banda que acompañaba a Bill: The Blue Grass Boys. La primera grabación que realizaron fue en 1945: Bill Monroe (mandolina y voz), Lester Flatt (guitarra y voz), Earl Scruggs (banjo de cinco cuerdas), Chubby Wise (violín y Cedric Rainwater (contrabajo). El grupo fue el referente para todas las bandas de bluegrass que les siguieron. De hecho, muchas de las primeros y más famosos músicos de bluegrass fueron o miembros, alguna vez, de The Blue Grass Boys (como Lester Flatt & Earl Scruggs, Jimmy Martin y Del McCoury) o tocaron con Monroe ocasionalmente (como Sonny Osborne, The Stanley Brothers o Don Reno). Además, Monroe fue una gran influencia para Ricky Skaggs, Alison Krauss o Sam Bush, quienes mezclaron elementos del folk con el bluegrass.
El sonido Nashville
Durante los años 60 la música country se convirtió en una industria, centrada en Nashville (Tennessee), que movía millardos de dólares. Bajo la dirección de productores como Chet Atkins, Owen Bradley y, posteriormente, Billy Sherrill, el denominado sonido Nashville acercó el country a un público más diverso. El sonido tomó prestados muchos elementos del pop de los años 50: voces suaves acompañadas de una sección de cuerdas y coros vocales. Los artistas más importantes fueron Patsy Cline, Jim Reeves y, posteriormente, Tammy Wynette y Charlie Rich. Debido a que la música country tenía una gran variedad estilística, hubo muchas voces críticas que señalaron que el sonido Nashville estaba acotando esta diversidad.
Genero: Dance
Dance es el nombre genérico que recibe el estilo de música de baile moderna realizada mediante sintetizadores, tanto electrónicos como en programas manejados por un ordenador. Además, pueden intervenir tanto la voz (en piezas vocales) como otros instrumentos (aunque normalmente se usan samples).
Como toda música, se compone de una serie de compases marcados por el ritmo, que varían dependiendo del tipo de música electrónica con el que se trate. Los compases son de 4/4, y su tempo, puede ir, dependiendo del subestilo, de 120 notas negras (BPM) en el House, 140 en el Techno, e incluso llegar a unos 200 BPM en el Hardcore.
En esta música es también muy importante la figura del DJ, ya que se encarga de poner y mezclar la música.
Otra acepción de este término es el empleado para definir el conjunto de subestilos de la música electrónica, en su variante más comercial, con melodías o acordes de sintetizador pegadizos y con toques o arreglos cogidos de la música Pop.
A lo largo del tiempo se le ha denominado de muchas maneras dependiendo de la influencia en mayor o menor medida de algunos de los géneros de la música Dance como podrían ser:
- ClubHouse, del 89 al 92. Influencia House. Con muchos acordes de piano ("I can't stand it" de Twenty Four Seven o "Gipsy Woman" de Crystal Waters)
-EuroBeat, del 92 al 94. Influencia Techno. Con acordes secos y cortos heredados del Rave ("Twilight zone" de 2 Unlimited o "Mr. Vain" de Culture Beat)
EuroDance, del 94 al 97. Influencia más melódica del Pop. Con mucha melodía y entonación alegre mayoritariamente con temas de los 80 remezclados o del momento versioneados (Covers) ("Dancing with an angel" de Double You o "Juliet" de Robin)
-Pizzicato, del 97 al 98. Influencia Trance. Sonidos más hipnóticos con repeticiones de acordes que recuerdan al Eurobeat ("Encore une fois" de Sash o "Lift me up" de Red 5)
Y así sucesivamente a lo largo de los años hasta que hacia 2005 los estilos predominantes se distanciaron quedando la música de baile comercial más englobada dentro del estilo House.
Historia
El Dance a partir de la evolución de la música disco de los años 1980. A mediados de los 90, empezó el nuevo movimiento de música electrónica, que fue derivando hacia diferentes estilos, como el Dance y el House.
A finales de los 90, la música Dance comercial llegó a la cima, siendo muy popular en todos los países de Europa, gracias a un boom que tuvo como protagonistas a Hot Butter, Gigi D'Agostino, Master Blaster, Eiffel 65, Gabry Ponte entre muchos otros, la mayoría de origen italiano.
Hoy en día el Dance comercial vive una dura crisis debido al empuje de estilos como el House (otra de las derivaciones de la música disco) y el reggaeton. El paso de grandes artistas del dance a otros estilos, como el House (Prezioso) o incluso el Pop ha hecho decaer el estilo musical.
Aún así, algunos de los Djs continúan su trabajo en este estilo, como Gabry Ponte y Gigi D'Agostino, creador y principal representante del sonido electrónico mediterráneo en la actualidad
Clasificación
Principales estilos dentro de la música dance:
* Dance
* Hardcore
* House
* Mákina
* Tecno (ó techno)
* Trance
Subestilos y otras clasificaciones y denominaciones:
* Bakalao
* Italodance
* Breakbeat
* Cantadita
* Eurodance
* Gabba ó Gabber
* Happy hardcore
* Jungle
* Progressive
* Techno-house
* Tribal
* Hardhouse
* Electro
* Dark Tecno
* Hardtechno
* Harddance
* Hardhouse
* Bumping
* Minimal
# Deep
# Hardstyle
# Jumper
Además hay otros subestilos dentro de ellos, Actualmente, gracias a la globalización, la cultura dance y electrónica se ha expandido tanto, que las culturas de diversos países (cultura músical) se han ido moldeando a nuevos ritmos y cada vez se van creando más generos de música.
Genero: Electronica
Música electrónica es un término amplio para definir a la música generada mediante el uso de equipo electrónico.
Cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra o un bajo eléctrico, o incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces) podría ser correctamente llamado electrónico; pero el uso ha restringido este término exclusivamente para la música generada por sintetizadores, samplers, computadoras y máquinas de ritmo.
También se le puede decir música electrónica a la música por computadora, debido a que existe software que digitaliza, manipula o procesa los sonidos, en contraste con los sintetizadores analógicos que usan hardware eléctrico para manipular las señales. Recientemente se ha comenzado a utilizar sintetizadores de software que se han diseñado específicamente para emular el sonido de los «prehistóricos» instrumentos analógicos.
El concepto de música electrónica da cabida tanto a variedades experimentales y obras "serias" como a estilos populares, producciones dance y géneros comerciales.
Historia
Fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX
El primer instrumento puramente electrónico fue el telearmonio o Telharmonium, inventado por Thaddeus Cahill en 1897. Un inconveniente muy simple impidió la adopción popular del telearmonio: pesaba siete toneladas y tenía el tamaño de un automóvil.
Se considera que el primer instrumento electrónico práctico fue el teremín, inventado por el profesor Leon Theremin entre 1919 y 1920.
Otro primitivo instrumento electrónico fueron las Ondas Martenot, que se utilizó por ejemplo en la sinfonía Turanga Līlā (‘los pasatiempos de la mente’ en sánscrito) de Olivier Messiaen y en obras de compositores principalmente franceses, como André Jolivet.
El Manifiesto futurista de Marinetti (1910) poseía postulados que rápidamente se extenderían al mundo de la música (y de otras disciplinas artísticas), tal como lo reflejaron pioneros como Luigi Russolo, Edgar Varése, Joe Meek, Martenot y muchos otros.
Años sesenta y setenta
En el Taller Radiofónico, la unidad de efectos especiales de sonido de la BBC, Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who.
Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
Wendy Carlos popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado y El sintetizador bien temperado, que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).
Rock
Esas primeras máquinas eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos tecladistas, como Keith Emerson (de Emerson, Lake and Palmer las utilizaban en sus recitales. El teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos), fue usado en música popular, muy notablemente en Good Vibrations de The Beach Boys. También el Mellotron aparece en Strawberry Fields Forever de The Beatles. Y el pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.
Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la costa oeste de EE.UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que —al contrario que el Moog— no se basaba en un teclado.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda su música era electrónica (con la destacada excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. (El uso de los medios electrónicos se volvió tan cliché que a mediados de los setenta, el grupo británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía "¡Sin sintetizadores!).
Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.
Alemania
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del kraut rock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música House, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.
Samplers y New Wave
A fines de los años setenta y comienzo de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores. Los primeros samplers eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de samplers económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo electrónico.
Años ochenta
Mezclas del estilo Electro con el House generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE.UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode, lo que generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dancefloor europeo.
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. El sonido de la música dance a veces presenta sonidos alterados electrónicamente (samples) de instrumentos tradicionales y voces.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.
Música industrial
Artículo principal: Música industrial
La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.
Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la musique concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos (Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (Front 242, Skinny Puppy) combinaron esa aspereza con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en este área está el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.
Jazz electrónico
En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Comercialización y bandas de películas
Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industrica del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (‘La naranja mecánica’, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess.
La banda de sonido de Forbidden Planet (‘El planeta prohibido’), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.
Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas sonoras.
Años noventa
En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países se incorporaron elementos nuevos, como es el caso del Jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña, como el Dub o el Nortec, derivado de la música tradicional mexicana y la electrónica.
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como el progressive y el deep house.
En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadoras.
Una de las mejores canciones de la mùsica electrònica es "Children" de Robert Miles.
Tambien Vèase aqui "Children" by Robert Miles
Genero: Garage
La música garage tiene su origen en la ciudad de Nueva York y es una variante del género House de ascendencia disco y soul. Se caracteriza principalmente por las poderosas voces, desbordantes de sentimiento y tradición negra, de house divas como Adeva, Liz Torres o la incombustible Jocelyn Brown.
Subgéneros
* El Garage House es una evolución del sonido disco que se puso tan de moda en los 70 y que casi siempre encontraba la unión de las voces negras de soul y jazz con una base bailable. El nombre proviene de la discoteca «Paradise Garage» de Nueva York, donde pinchaba el mítico DJ Larry Levan.
Genero: Grunge
grunge es un género musical, inspirado en el punk y en el heavy metal, con toda la esencia del indie rock. Surge a finales de la década de los ochenta y a principios de los noventa, con miembros provenientes de la época conocida popularmente como la Generación X. Bandas provenientes de las ciudades del Pacífico Noroeste de los Estados Unidos, como Seattle, Olympia, Washington, y Portland, Oregon, hicieron del grunge un género músical muy popular.
Características
Como estilo musical, se caracteriza por las guitarras distorsionadas, melodías repetitivas, y batería pesada. El grunge también es llamado popularmente como el Seattle Sound (sonido de Seattle). O también en algunos casos por sus líricas depresivas Doom Rock Varios sellos musicales independientes fueron en un principio los que permitieron llevar este estilo de música al público. Muchas de las bandas más exitosas de la era fueron asociadas con la compañía discográfica independiente Sub Pop de Seattle, sin embargo otros sellos independientes de Seattle también ganaron reconocimiento, incluyendo Kill Rock Stars y K Records. David Geffen también tuvo un papel importante en la comercialización del grunge.
El movimiento grunge tuvo también fuertes influencias de la cultura musical del noroeste de Estados Unidos y de la cultura juvenil local. El parecido a bandas de esa zona como los Wailers y, más particularmente, los Sonics es notoria. La influencia de esa zona también se puede notar en el hecho de que la vestimenta asociada al movimiento grunge surgió de la mezcla de una estética punk con la típica ropa de la región (por ejemplo, franelas).
También su filosofia se resume en carecer de inquietudes trascendentales porque piensan que lo que se puede hacer en la vida no sirve para nada[cita requerida].
Historia
El surgimiento del "grunge" como un género y la acogida masiva de la audiencia se considera como una reacción contra el dominio popular del
hair metal, representado por bandas como W.A.S.P., Poison, Bon Jovi, Europe o Def Leppard, que habían estado dominando los rankings
musicales, especialmente en los Estados Unidos, por varios años. La música grunge puede ser contrastada con las letras machistas del hair metal, ya que posee mayor sensibilidad, y una marcada conciencia social.
El grunge fue acogido por la juventud por su simple desafío a las entonces normas culturales. El gusto por la ropa cara fue cambiado a favor de las franelas, jeans y las Dr. Marten o botas opuestas (especialmente en Inglaterra donde los jóvenes vestidos así son llamados grungers). El tradicional Rock and Roll asociado al lujo se fue rechazado durante el tiempo que predominó el grunge.
El sostén principal del grunge fue el llamado Grupo de las 4: Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden. Nirvana es generalmente valorado por romper el género dentro de la conciencia popular en 1991. El éxito de la canción "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana sorprendió a toda la industria musical. El álbum fue un hit #1 alrededor del mundo, y dejó el camino hecho para que otras bandas pudieran hacerse conocidas. Para muchos, el grunge paso a ser casi totalmente asociado con estas bandas y sus actitudes rebeldes contra las convenciones sociales.
Se ha debatido ampliamente acerca de quien merece el título de "Padrino del Grunge". Chris Cornell de Soundgarden, Mark Arm de Mudhoney, Kurt Cobain de Nirvana, Jerry Cantrell de Alice in Chains, Eddie Vedder de Pearl Jam, Andrew Wood de Malfunkshun/Mother Love Bone, Buzz Osborne de The Melvins, y Neil Young han sido acreditados en un momento u otro. (vea link externo abajo para más detalles sobre el debate de quien es realmente el "Padrino del Grunge").
Muchas de las bandas grunge, sobre todo las de Seattle y sus alrededores, tienen influencia de The Melvins. En el potente sonido de "Gluey Porch Treatments" (The Melvins), se aprecia el género en su más puro estilo. Neil Young también cumplió un trascendental papel en la derivación del género hacia lo comercial, al igual que Kiss, que influyó con su sonido crudo y sucio en su primera etapa.
La popularidad de la música grunge fue de corta vida, sin embargo. Cuando Kurt Cobain (de Nirvana) murió en abril de 1994, la música grunge efectivamente empezó su descenso. Irónicamente, Cobain había sido fotografiado frecuentemente vistiendo camisas playeras afirmando que el "Grunge esta Muerto".
La conciencia general de los fans e historiadores de la música es que el género fue bastante opuesto al estrellato que actualmente logra larga y duradera popularidad. Muchas bandas grunge rehusaron cooperar con los sellos discográficos para hacer amistosos ganchos publicitarios en la radio, y entonces las discográficas encontraron nuevas bandas que estaban dispuestas a hacerlo, a pesar de tener que utilizar un sonido aguado y decaído que no agradó a los antiguos fans del género.
Para muchos fans del género, éste murió hasta la disolución de la banda pionera del grunge Soundgarden en 1997 cuando ellos finalmente reconocieron que el grunge (como corriente musical) había muerto. Para otros el ciclo Grunge termina definitivamente con la muerte del cantante de Alice In Chains, Layne Staley. Muchas bandas grunge han continuado grabando y realizando giras pero con éxitos más limitados, incluyendo, más significativamente, Pearl Jam. Esta banda ha logrado perdurar e influir en la opinión pública a pesar de su sostenida actitud anticomercial.
